Caminar desde la bahía hasta la histórica Signal Hill y bordear los acantilados azotados por el viento buscando ballenas, icebergs y aves marinas, son sólo parte de la experiencia que culmina al llegar al barrio y antiguo pueblo de Quidi Vidi; donde el paladar será deleitado con las tradicionales «mejillas de bacalao» rebozadas y cerveza artesanal.

La cocina de Newfoundland ha sido motivo de halagos por muchos críticos de la escena culinaria lo que se debe en gran parte a los ingredientes tradicionales que desde hace décadas se producen en la isla, pionera en la filosofía de consumir productos de proximidad también conocida como “dieta de las 100 millas”, caracterizada por la ausencia de alimentos precocinados y por que todo era local, sostenible y orgánico.

Y es que hasta hace 60 años el acceso a las comunidades costeras solo era posible por barco, la pesca constituía la principal fuente de ingresos para la mayoría de ellas y las familias aprovechaban lo que tenían a mano como hortalizas de raíz, frutos silvestres, el conejo, el alce, la perdiz, las aves marinas y, por supuesto, el pescado, y al hablar de pescado, el principal es el bacalao, ingrediente principal de los platillos más tradicionales de la isla como el fish and brewis, o el boiled dinner.

La experiencia gastronómica actual abarca desde la sofisticación ecléctica hasta la cocina rústica, pero usando ingredientes sencillos y básicos del pasado culinario de St. Johns.

Así lo informó la presidenta Danielle Alalu, quien añadió que el sitio web ha sido renovado para coincidir con el estilo propuesto por Rodríguez.

Robert Rodríguez, egresado del Fashion Institute of Technology (FIT) de Nueva York, se formó en oficio, rigor y el ritmo frenético de la moda en la casa de moda Christian Dior tanto en París como en Nueva York.

Ahí trabajó desde la era de Marc Bohan, pasando por la de Gianfranco Ferré, hasta los inicios de John Galliano, lo que sin duda lo marcó profundamente.

Posteriormente se trasladó a Los Ángeles donde trabajó para Laundry by Shelli Segal y posteriomente lanzó su propia marca homónima en 2003, para regresar al este y asumir un cargo en Halston.

Rodriguez se incorporó a Derek Lam en noviembre de 2025, tras la salida del fundador y una breve pausa en la actividad de la empresa, y fue de la mano de esta marca que se presentó en la Semana de la Moda de Nueva York en febrero 2026 que impresionó por su frescura.

Asentado en Nueva York, pero enriquecido por su estancia en Paris y Los Angeles, Rodríguez se prepara para presentar su segunda colección para la firma imprimiendo la gala de su sello personal con la marca en la colección Primavera 2026.que girará en torno al propósito y al momento vital en el que se encuentra la mujer que busca cosas nuevas, así como a la funcionalidad de la ropa.

La colección se presentará en un espacio similar a una galería en West Chelsea y expresará la escencia de la tendencia de la temporada que girará en torno a los “nuevos comienzos”.

Para adquirir las prendas de la colección de Rodríguez para Derek Lam, visite el sitio web oficial de la marca en este link.

A lo largo de la Semana, presentará a líderes internacionales y nórdicos consolidados, así como a innovadores emergentes,.

Así mismo. la programación Primavera/Verano 2027 da la bienvenida a numerosas marcas que regresan, como By Malene Birger, Stine Goya, Mfpen, Alectra Rothschild/Masculina y Marimekko, entre otras.

Además, se presentarán marcas debutantes como Almada Label y Yours Truly by Peter Jensen; y por si fuera poco, Studio Constance, la primera marca sueca en unirse al programa CPHFW NEWTALENT, se presenta junto a los diseñadores ya inscritos, Anne Sofie Madsen y Stem.

Contará además con la presencia de Institution, ganadora del Premio Zalando Visionary 2026 y finalista del Premio LVMH, quien presentará su última colección en la pasarela.

Zalando apoya esta iniciativa como parte de su compromiso de dar visibilidad a diseñadores emergentes que desafían las convenciones e impulsan el progreso en la industria de la moda.

La Primavera/Verano 2027 también dará la bienvenida al Espacio Internacional para Diseñadores Invitados, patrocinado por The Climate Pledge, que acogerá un desfile único de Collina Strada, la marca neoyorquina fundada por Hillary Taymour.

Cecilie Thorsmark, Directora Ejecutiva de la Semana de la Moda de Copenhague, anuncio a Collina Strada como el Espacio Internacional para Diseñadores Invitados patrocinado por The Climate Pledge, y a Institution como ganadora del Premio Zalando Visionary

Todas las marcas que forman parte del programa oficial de desfiles y presentaciones han sido aprobadas por el comité oficial de desfiles y presentaciones, así como por el comité de sostenibilidad liderado por Rambøll, que las evalúa según 19 estándares mínimos.

Otro de las anuncios que llamaron la atención fue la inclusión de tres marcas en el CPHFW NEWTALENT las cuales son Anne Sofie Madsen y Stem, que continúan la temporada pasada, y Studio Constance, que se une al programa.

Para esta próxima edición, Sson, Renè y Taus recibirán el reconocimiento “One To Watch” y presentarán su próxima colección en la edición de agosto de 2026.

Además, la Semana de la Moda de Copenhague presentará una sección especial para una marca internacional, con el apoyo de The Climate Pledge, y la presentación de una colección única por la marca neoyorquina Collina Strada, fundada por Hillary Taymour.

Los finalistas de la edición 2026 del premio son Colleen Allen, de los Estados Unidos: De Pino by Gabriel Figueiredo, de Francia; Institution by Galib Gassanoff, de Georgia; Julie Kegels, de Bélgica; LII by Zane Li, de China; Petra Fagerström, de Suecia; Ponte by Harry Pontefract, del Reino Unido; The Vxlley by Daniel del Valle Fernandez, de España; y Yoshita 1967 by Anil Padia, de Kenya.

El Premio LVMH fue creado por Louis Vuitton Moët Hennessy, el conglomerado multinacional francés líder mundial en artículos de lujo, en 2013 con el objetivo de celebrar y apoyar el talento creativo de todo el mundo.

Este concurso está abierto a todos los diseñadores de entre 18 y 40 años que hayan creado al menos dos colecciones de prêt-à-porter.

El ganador del Premio LVMH recibe una dotación de 400 mil euros así como un año de mentoría por parte de un equipo de expertos de la organización convocante.

Como parte de los Premios LVMH se otorgan también los premios Karl Lagerfeld, creado en 2022 en honor a Karl Lagerfeld; el SAVOIR-FAIRE, lanzado en 2024, y que busca premiar la excelencia artesanal, la innovación técnica al servicio de la creatividad y la sostenibilidad; y el Premio LVMH para jóvenes graduados de Moda que distingue a tres jóvenes graduados de escuelas de moda.

Los ganadores del Premio LVMH, el Premio Karl Lagerfeld y el Premio Savoir-Faire disfrutan de un programa de mentoría de un año durante el cual, expertos de LVMH asesoran a los ganadores en numerosos ámbitos, como el desarrollo sostenible, la comunicación, los derechos de autor y los aspectos legales corporativos, así como el marketing y las finanzas.

Cada año, se seleccionan 20 semifinalistas entre las solicitudes en línea, y durante la semifinal, expertos del mundo de la moda eligen a los finalistas de entre los cuales se eligen a los ganadores.

El concepto, que trascendió el sonido para integrarse a la literatura con Bajtín y Baudrillard, y más tarde a la arquitectura urbana donde diferentes épocas conviven sin que nada reemplaza lo anterior, se visibiliza en la propuesta 2026 que propone siluetas superpuestas que se reincorpora a la composición, elemento central de Riz Poli.

La forma masculina se yergue junto a la femenina, sin reflejarse, sin jerarquías, sino en paralelo. Dos partituras distintas que se despliegan dentro de un mismo sistema.

La superposición, se convierte en las prendas en un método para revelar la simultaneidad, y la deconstrucción y los cortes irregulares fracturan la linealidad, permitiendo que las prendas adopten más de una dirección a la vez.

La polifonía, por su parte, se traslada de la música a la forma, de la teoría a la estructura y de la estructura al movimiento.

Los trajes y la vestimenta flamenca se ha extendido más allá de los escenarios para convertirse en parte de las tendencias del país, y sus olanes, estampados y colores se cuelan cada vez más en la moda urbana.

Si bien el traje flamenco es el único traje regional de España que sigue la moda, que varía, que cambia y que crea tendencias.

Según los expertos, la primera versión de los trajes que conocemos se manifestó en las ferias ganaderas andaluzas del siglo 19 a donde las vendedoras, esposas de ganaderos, gitanos y campesinos, acudían luciendo delantales con volantes sobre túnicas estampadas.

De estos lugares, la forma de vestir se habría extendido de las clases bajas a las altas, quienes perfeccionaron el traje y añadieron detalles de mayor calidad.

Lo que si está probado, es que en 1929, con la oficialización de la Feria de Abril de Sevilla, la feria dejó de ser un mercado ganadero y se convirtió en el evento que conocemos hoy: una semana donde la música, la gastronomía y el baile son los protagonistas.

Pero el éxito de la alta costura vinculada al traje fue sin duda el Desfile Internacional de Moda Flamenca, inaugurado en 1995.

El evento, que se celebra anualmente en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla, dedicado exclusivamente a este traje se ha consolidado y actualmente presenta más de 42 desfiles profesionales, a cargo de más de 50 firmas de moda quienes muestran más de mil 700 vestidos.

Este año la Semana Internacional de moda Flamenca (SIMOF) se llevó a cabo de enero y febrero reuniendo y de acuerdo a los organizadores del evento, recibió más de 72 mil visitantes lo que es una muestra de la importancia que el atuendo ha alcanzado.

La conversación estuvo moderada por Marc Karimzadeh, director de comunicación del Consejo de Diseñadores de Moda de América (CFDA por sus siglas en inglés) y durante ella el diseñador, quien también trabajó en Gucci para Tom Ford y para Oscar de la Renta compartió anécdotas y memorias acumuladas durante su trayectoria.

El dos veces ganador del premio CFDA al Diseñador de Moda Femenina del Año, también compartió sobre su momento actual, inmerso en su marca de cosmética natural, Costa Brazil, aunque como se pudo ver, su sentido de la moda sigue intacto.

En esta edición, se lanza una nueva categoría que destacará a las aprendices de artesana a fin de fomentar la vocación entre los jóvenes o las personas que cambian de carrera y lo cual representa un gran reto para este sector.

Desde 2021, el Prix des Artisanes ha premiado a 23 mujeres, reconociendo su saber hacer y sus trayectorias profesionales en moda, diseño y vajilla, conservación del patrimonio francés, viticultura y, joyería y relojería.

Para apoyar concretamente el desarrollo de los ganadores, se destacará su experiencia en las revistas ELLE y los ganadores de las cinco categorías principales se beneficiarán de un programa de mentoría con Artisans d’Avenir, así como del apoyo financiero del Grupo.

Para participar es necesario contar con una empresa inscrita en el Registro Mercantil de Francia, o aprendiz mayor de 18 años en un taller independiente, con un máximo de 15 empleados y una facturación anual inferior a 500 mil euros.

Toda la información sobre el Prix des Artisanes 2026 esta disponible en el minisitio de la revista Elle al cual se puede llevar a través de este link.

La Met Gala, formalmente llamada Costume Institute Benefit, se ha convertido en uno de los referentes de alta costura a nivel mundial al servir de plataforma para las ideas más creativas y innovadoras de la industria de la moda.

Tradicionalmente celebrada para coincidir con la inauguración de la exposición de moda de primavera del Instituto, este año tendrá lugar el lunes 4 de mayo de la mano de la apertura de la exposición de primavera de 2026 del Instituto del Traje llamada “Arte del Traje”, tema que también inspiró el código de vestimenta para la Gala del Met de 2026 y que será “La moda es arte”.

Se ha dado a conocer que los anfitriones de la Gala Met 2026 serán Beyoncé, Nicole Kidman, Venus Williams y Anna Wintour, y que el comité organizador estará integrado por Anthony Vaccarello y Zoë Kravitz, junto con los miembros Adut Akech, Angela Bassett, Sinéad Burke, Sabrina Carpenter, Doja Cat, Gwendoline Christie, Misty Copeland, Alex Consani, Elizabeth Debicki, Lena Dunham, Paloma Elsesser, Rebecca Hall, LISA, Chloe Malle, Aimee Mullins, Amy Sherald, Tschabalala Self, Sam Smith, Teyana Taylor, Anna Weyant, Lauren Wasser, A’ja Wilson, Chase Sui Wonders y Yseult.

En cuanto a la exposición “Arte del Traje” inaugurará las nuevas Galerías Condé M. Nast del Met, que en un área de poco más de 3 mil 500 metros cuadrados, explorará las representaciones del cuerpo vestido en los distintos departamentos curatoriales del Met, combinando prendas con objetos de arte que abarcan unos 5 mil años.

Las piezas de “Arte del Vestuario” se dividirán en una serie de tipos de cuerpo temáticos, que abarcan desde el “Cuerpo Desnudo” y el “Cuerpo Clásico”, hasta aquellos, como el “Cuerpo Embarazado” y el “Cuerpo Envejecido”, que a menudo han sido ignorados.

Además, como patrocinadores principales de la gala y de la exposición de 2026, se anunció a Jeff Bezos y Lauren Sánchez Bezos quienes serán los presidentes honorarios.

El programa, como de costumbre, incluirá cócteles, cena y la actuación de uno o dos artistas de renombre. Los asistentes también tienen un momento para explorar la exposición.

El evento suele reunir a unos 450 asistentes, entre los que se incluyen estrellas, jóvenes creativos y figuras destacadas del mundo de la moda, las artes, el deporte y la política.

Reed Krakoff, director creativo de la marca, coordinó los detalles y eligió de qué manera combinar los elementos de joyería y los diseños artesanales, sobre todo los de diamantes, tanto naturales como creados en laboratorio, para innovar conservando el concepto de la marca.

El espacio es abierto y luminoso y aloja en 167 metros cuadrados, el doble de la tienda anterior que estaba ubicada en Prince.

Elementos como una enorme pulsera Spear con acabado dorado que cuelga del techo y una escultura de 7.6 metros creada por el maestro balinés del bambú, Gustin Ngurah Udianata, son algunos de los detalles que se pueden apreciar a simple vista al entrar al lugar.

La paleta de colores es luminosa, gracias a los paneles y accesorios de madera, los mostradores beige, el característico naranja de la marca en cubos naranjas y una original exhibición en la pared que imita las muestras de color Pantone.

Las vitrinas exhiben estilos de colecciones como Spear, Knot, Surf, la nueva línea JK Lovestruck y los pendientes Icon Stud, popularizados por los colaboradores de la marca Billie Eilish y Finneas O’Connell.

Mientras tanto, las pantallas de vídeo de la tienda muestran los orígenes de John Hardy en Ubud, Bali, y su taller, haciendo un guiño a su condición de pionero en sostenibilidad.

El ambiente se mantiene, pero cambia sutilmente, en el salón trasero, que se transforma en un espacio íntimo para explorar las piezas de alta gama, gracias a los azulejos de terracota cortados a mano, una alfombra con motivos florales y el mobiliario de Marc Newsom y Warren MacArthur.